长春知远画室 | 向大师致敬系列之“配色界的大佬”——莫兰迪 | 用饱和度低的色彩打造沉稳又不失柔和的“高级感”

Giorgio Morandi

乔治·莫兰迪

意大利(1890-1964)

几十年只对着几只瓶子发呆

终成一代绘画大师

以极其简约克制的色彩

制霸时尚潮流的宅男之王

请接受我的膝盖

乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi ，1890-1964）生于意大利博洛尼亚，是意大利著名的版画家、油画家。青年时考入博洛尼亚美术学院，曾经长期在这所学院担任美术教师，教授版画课程。莫兰迪既推崇早期文艺复兴大师的作品，也对此后各种流派的大胆探索有着强烈共鸣。

他最初沉迷于印象主义，对塞尚的静物和风景画颇感兴趣，也模仿过立体主义。在经过兴奋、茫然、探寻后，莫兰迪终于找到了属于自己的艺术道路，他开始了属于自己的艺术语言探索，以静物画著称，成为20世纪最受赞誉的画家之一。

莫兰迪一生的创作题材都是在画着几只瓶子和博洛尼亚郊外的风景。他花了一辈子的时间研究这些瓶子和周围生活的景色，单就创作的油画就有1264张，而这还不包括素描、水彩和版画等其他形式。

他的早期作品却很受波丘尼的欣赏。事实上，两人是在用同一种材料砌不同的墙。立体主义的语汇，对波丘尼来说，是让运动和光破坏物体本质的凭借。

波丘尼《骑自行车者的活力》1913年

莫兰迪 《静物》 1914年

对莫兰迪而言，物体本质是不能破坏的，他不过想借助运动和光赋予物体以另一种“现实”。莫兰迪的这种早期的绘画倾向并未持续多久。1916年的冬天，病重的莫兰迪毁坏了自己的早期作品，无疑意味着与“未来主义”的决裂。关闭了未来主义的大门，莫兰迪遇到了契里柯。“尼采迷”契里柯因他那神秘、忧郁的街景而自称为“形而上”绘画。

契里柯《诗人的不确定性》1913年

不管莫兰迪是否赞同该画派的理想，他还是在一段时期里与“形而上”画派联在一起，与契里柯联在一起。（在此之前，莫兰迪已开始搞他最重要的静物画，那时他的作品中已散发出静寂意味和超现实气氛。）

莫兰迪《静物》1916年

莫兰迪与契里柯的想象经常有相似之处：将一些司空见惯又不可能摆在一起的物体硬性并置于一个画面中，物体的自然属性被剥除，变得奇异如梦般不可思议。

莫兰迪的艺术不须借助于任何文学描写或他人的想象，他的灵感来自于内心。当他把化妆假人头、瓶子、折迭纸和面包头排列在一张圆桌上时，他删去一切背景，让这些静物无依无靠。他采用色调相近的色彩赋予静物以丰富的质感，柔和的画面散发着优雅、抒情的气氛。

莫兰迪 《静物》1918年

莫兰迪 《静物》1918年

莫兰迪很幸运，他在欲摆脱契里柯的痕迹之时看到了塞尚的28件原作，这场与大师的对话是一个契机，它使莫兰迪的艺术向深层开掘。

莫兰迪 《静物》1929年

一旦摆脱了立体主义的繁复，一切都归于单纯。

莫兰迪从废品店找了些用过的空瓶罐，于是产生了那些奇妙的莫兰迪的静物画。你不知道这些瓶子罐子是做什么用的，也不知道它们摆在哪儿——既不是在厨房，亦非在餐桌上——只觉得它们在真空里，它们存在，它们漂浮，它们漂浮地存在，似乎仅此而已。但它们的美催人落泪。它们挤在一起，孤立无援，只有互相依存、保护。经常有一束强烈的光，投在静物们身上，落下重重的影子。这神秘之光，似乎映射着灵魂的静谧和理性的宁寂。

莫兰迪 《静物》1936年

由1920年代早期至1960年代早期，莫兰迪的画风明显地非常一致。此时他已创作出其标志性作品系列：采用灰、啡、粉白为主的暗色调，以桌上的瓶子、花瓶和水壶为主角的静物画。

莫兰迪的个人风格直至1920年开始自成一格。摒弃戏剧性的阴影效果以及粗黑色的勾勒线条，取而代之的是柔和朦胧的光线。

分辨莫兰迪静物画的早期和晚期，有一个简单的办法。晚期容器比早、中期要少而挤。这些容器的形状大都相似，不同的排列的方法，最后只剩了两三只，而且是靠在桌子边沿。

那些瓶瓶罐罐，聚焦了太多目光和语汇，过于拥挤。瓶中的花，安静温和的，待在那里，少有人扰。它们并不烂漫，也没有争艳的冲动。一块原色麻布上，简单涂抹一层底色，几朵尚未绽放或是已经干枯的花慢慢凸显，如此轻盈。

它们仅有花朵露出，相互簇拥着。寥寥几笔勾画出的花瓣边缘，区分着彼此，但并不疏离。

梵高和莫兰迪的色彩比较

纯色（高饱和度）与高级灰（低饱和度）的对比

梵高的“纯”

文森特·梵高最爱用的颜色，莫过于黄与蓝。

黄色在色相上是明度最高色彩，给人温暖、愉悦、向上的感觉。灿烂温暖的黄，寂寞沉郁的蓝，向我们表达着对生活的热情与渴望，亦透露了他内心世界的孤独与寂寞。

梵高的油画色彩鲜明，大面积的撞色，对比鲜明。画面常出现明黄色，深绿色，天蓝色，描绘金黄色的麦田，翠绿的树，蓝天白云，即使是乌云密布的天空，梵高也用深蓝色来表现，而并非灰黑色。

莫兰迪的“灰”

乔治·莫兰迪的“高级灰”。

他是世界公认的西方灰调大师，一位对灰色、简单、静物等元素极度痴迷的画家。绘画几乎从来不用鲜亮的颜色，只是用些看似灰暗的中间色调来表现物象，一切不张不扬，静静地释放着最朴实的震撼力和直达内心的快乐与优雅。“高级灰”平和自然，舒缓雅致，有一种静态的和谐美，很朦胧很节制，非常提升质感。

一. 构图空间

1、画面物象的解构与重组

莫兰迪有意识地对物象的结构进行拆解，以二维视角分割画面空间、重构物象各部分间的空间关系，再根据静物的形状，去重新解构和组织，赋予新的活力。画面的结构处理，是把物象从其单纯的自然状态中抽离。

他的静物作品表现出强烈的主观创造性，从作品宁静质朴的画面，意蕴中透出一种独特的趣味。莫兰迪对物象轮廓进行重叠、分开、连接的处理，物体间相互联系并达到画面的平衡，通过画面主观构成，形成强烈的节奏感、 韵律感。

1946年创作的《静物》整幅构图趋于平面化

几个瓶罐呈一字型在桌面上摆开，有意拉长瓶罐的形状，在几个蓝白色的瓶罐后面，以重叠、挤压所产生的底图正负形关系。突出后面带把手以及带条纹的罐子，以此变化来重构其空间关系，没有刻意加强轮廓线。同时以白色、黄色以及光影的运用，重构画面的空间和节奏感，达到整体和谐的画面效果。

莫兰迪通过对画面构成中主观提取、加强深色来重新安排画面的结构。物体深浅颜色的对比，正负形的衬托，光影以及物象形体的主观重构，极具抽象意味。

2、正负形关系的抽象表现

画面中的“正形”指的是绘画对象，包括线条、色块、物体等。空间则是“负形”是背景，背景中的正形元素就成图形。

莫兰迪把画面物体作为单个整体来处理，通过解构瓶子的元素图形，处理物体轮廓线，重新组合正形与负形的空间关系。主观上重新构架起画面正负形等虚实关系，使画面在形式上处于抽象与具象之间的过渡地带，并通过提炼、裁剪来重塑物体的特征 ，创造一个画面整体的形。

要使绘画具有活力，就必须要让正负形之间有互动，要实现正负形的互动，首先得把负形激活，或者让负形与整个构图中的正形元素，发生密切的联系。

二. 莫兰迪色系

不张扬不浓烈是莫兰迪色系独有的特点，它不像鲜艳的彩色极尽浮夸的视觉感受，也不至于带给人冷峻不易接近的“性冷淡”风格，而是将两者融合后，带给人视觉的完美平衡。

为什么莫兰迪色系会有高级感，让我们从分析他的画作开始。

在莫兰迪的作品里，都呈现一种非常一致的“灰色调”。比如：在这幅画里，他用了灰+红、灰+黄、灰+白

在每一种原有的色调里，加入一定比例的灰色，隔离了颜料原本的光泽，让每种颜色都蒙上一层中性的灰调，同时又不会让整个画面显得过暗。

这些色调里都有一个共同点——饱和度低，而降低色彩饱和度，其实就是在降低和削减色彩对人情绪的影响。让我们观看时达到了一种情绪上的舒缓和平衡，产生一种冷静感。这些颜色看起来会显得高档，其实是就是因为该颜色传递出的情绪很少。

下面两幅画，哪幅看起来第一眼的情绪冲击更大？是不是第二幅。

这就是色彩的魔法。这种加了灰度的色调，最小程度的影响你的观看情绪，因此让人产生一种淡淡的距离感，他没有特别急切的想要马上吸引你，相反，看画的情绪和节奏，交给你自己。这样的表达，很有底气，因为他并不害怕第一眼不吸引你，因而也不费力的讨好你。

三. 莫兰迪的配色原则

莫兰迪色系显得高级的原因：

因为画家在所有颜色中都加入了一定比例的灰白色，俗称高级灰。灰色会中和原本厚重艳丽的颜色，使整个画面相互制约，让视觉达到完美平衡。当画面整体的亮度和饱和度降下来之后，一点点“灰”便能带出整体的质感，也就是我们所说的优雅和高级。

莫兰迪色不单是因为画中温柔雅致的颜色，更因为这几只普普通通的瓶子背后所传达的最朴素简单的生命力。

1、基础色相调配

不同颜料呈现的颜色，如红橙黄绿，就叫做色相。使用基本色相颜料相互叠加就可以产生显得色彩，然后加入大量的白色，能调和出不同色彩倾向的浅灰。

2、色调

“补色调配法”是调配灰色的主要方法，比如说黄加紫加大量白，当黄色量多一点时出来的颜色就是黄灰，暖黄、冷黄、牙黄等，很多黄灰系列颜色就是这样调和出来的;当紫的颜色量多一点时，就是紫灰，淡紫、蓝连等很多蓝紫灰系列颜色就是这样调和出来的;再如红加绿加白，当红色量多一点时，就是红灰，土红等很多红灰颜色都是这样调和出来的;当绿量多一点时，就是绿灰等等。

3、同类色加白调配法

调和出来的颜色柔和、漂亮，如柠檬黄+淡黄+白色，出来的颜色就非常的温和。

4、邻近色加白调配法

在调配灰颜色的过程中，对白色控制是非常重要的。如果白色过量，就会破坏事物本身的色相，造成画面粉气十足或者使颜色干枯脏乱。

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