为什么毕加索总爱画奇奇怪怪的画？

毕加索

西班牙画家、雕塑家。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才。

毕加索的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。史学上不得不把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”（又称“立体主义时期”）、后来的“超现实主义时期”等等。他于1907年创作的《亚威农少女》是第一张被认为有立体主义倾向的作品，是一幅具有里程碑意义的著名杰作。它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。

他的立体主义名作《格尔尼卡》，在中学课本里人人都要学的；还有他画的和平鸽，尺寸还没有《蒙娜丽莎》的三分之一大，却让鸽子成了全球70余亿人心目中的和平象征。

他的影响之大，让最为逐利的资本家也得跪在他的画作前，如果你打开维基百科上的最昂贵画作列表，在前几排，你看到最多的名字，不是达芬奇、不是莫奈、也不是梵高，而是毕加索。

但如果有人问你，他的画怎么样？大家十有八九都是蒙的。

只要谈到毕加索，就一定绕不开这些问题：

为什么他的画风总是这么奇怪？

他画这些，是想表达什么？

他是怎么火起来的？（为什么别人看得懂，我看不懂？）

其实毕加索没那么难，他在一开始的风格，也跟我们熟悉的传统名画没多大区别，一看就能懂：

这是他13岁时画的单人油画《老渔夫》：

这是他15岁时画的多人油画《科学与慈悲》：

还有这幅特别有名的正面肖像画，《拿烟斗的男孩》，是他24岁时画的：

看到这也许你会疑问，这不是都看的懂吗？为什么他之后的画风就大变样了呢？

这就要从毕加索小时候开始说起了，从小，他就在当美术老师的爸爸那里，接受严格的绘画教育训练，十几岁的时候，就去了艺术之都巴黎求学。

当时的巴黎，人人尊崇学院派。学院，这两个字听起来就很一本正经，那里的艺术训练也十分传统，学校老师告诉他们，文艺复兴时的名画是天，必须得按它们来，画画步骤一二三四，不许乱，光影别打错，人物得写实。跟现在的美术生高考有些儿像，都是很传统、教条繁多的。

当时大多数人就接受了，老老实实跟着学，但毕加索不，他心里面一直有一股能量在躁动，他不想画教条式的东西，他想画最真实、最富有生命力、能量澎湃的画。

然而一开始，他并不知道自己该怎么画。

他顶多就像现在的一些叛逆高中生那样，去阅读一些小众、但极有思想的书。

这些书给了他很多创作灵感，比方说，他曾经在朋友家画过一幅非常离经叛道的壁画，壁画上画的是一对正在激情中的情侣，情侣的头顶上则悬着一个吊死的摩尔人，整幅画的灵感就来自于这本讲超现实主义的书《马尔多罗之歌》。

但是这个时候，他顶多画得怪异一些，还没有真正地打通任督二脉。那么彻底影响了他的因素是什么呢？

要回答这个问题，我们不妨挑一幅后来非常经典的画来看：

《阿维尼翁的少女》

这部作品是毕加索变革性画风的里程碑之一。

我们知道，前面几幅传统的画，都是有一个焦点的，这是西方传统绘画的一大特征，从数百年前的文艺复兴时期就开始了，这就叫做“透视法”。

《最后的晚餐》

有了透视法，人们在看画时，才会觉得很真实。这也是当时作为美术老师的爸爸、还有艺术学校教给毕加索的“法则”。

而在毕加索的这幅画里面，我们却看不到常规的透视法，甚至一时间，我们都不知道该把视线往哪里放好。在画中，连人的身体部位也不是遵照传统方法来画的，人的左右两侧都能被同时看到。

绘画不用透视法，并非毕加索首创，说到这可能有人想到了，大名鼎鼎的中国古代绘画。

比如这幅名作《唐宫仕女图》：

仔细看画中仕女们围坐的桌子，近小远大，违背了常规透视原则，但是这样却可以把桌上另一头的物品画得大大大的，让赏画的人看得清清楚楚。

这极有可能是毕加索在一次人类学博物馆之旅中悟出来的。

在当时，欧洲人会把从亚非等地掠夺来的战利品，存放在人类学博物馆当中，当时欧洲人还不把这些东西看作艺术品，艺术家们眼里也只有“正统”的欧洲艺术。

而毕加索，却在人类学博物馆当中，看到了亚非艺术的独特生命力。

《阿维尼翁的少女》中还有这么一个细节，大家看少女们的脸，可能会觉得好像在哪里见过，一下子说不上来，但其实我们都是非常熟悉的，那就是非洲面具，这些线条粗壮、神秘粗犷的面具，也同样被收在人类学博物馆中。

大量吸收、学习亚非艺术之后，毕加索突破了欧洲传统美学的限制，还学会了如何打破透视的规则，用狂野、黑色的线条，来将物体重新构成、组合。

这之后，就是长达几十年的狂飙突进、肆意挥洒了。

然而说到底，根本原因还是毕加索敢于对世界指定的规则说不。

对于传统的绘画方式，当时的大多数人想也不想地就接受了，并且贯彻实施了一辈子。只有毕加索，一直怀疑着、突破着。就算到了今天，我们如果要给毕加索的作品贴一个标签、划一个分类，估计他还是会跳出来反对，“我是一个没有风格的画家！”

这就是人们恭恭敬敬称毕加索为一声“大师”的原因。

不仅如此，毕加索没有流于技巧，他在自己的每一件作品里面都融入了最真实的情感，他说我的每一件作品里面都有我的血，此话不假。

对于这些作品，我们不需要多么了解画面的构图、内容，只需简单了解一下就能感受到其中的情感、意旨。

比如他在20岁左右的时候，最好的朋友逝世了，由此他陷入了极大的悲哀中，我们知道在《挪威的森林》里面，男女主因为好友的去世，变得浑浑噩噩，感觉死亡的阴影总是罩在自己的生活当中，挥之不去。毕加索也是如此。

于是，我们能看到他这段时期的绘画里面，总是用大面积的蓝色，又或者是蓝绿色，总之都是阴冷、忧郁的颜色。他的情绪，通过这些画，我们扫一眼就能感受得到：

幸运的是，过了几年之后，他遇到了自己的爱人，在活泼的姑娘带领下，他开始走出蓝色的阴霾，世界变得明亮了起来，他感觉到漫天都是粉红色的泡泡、浪漫到飞起：

他的画不是“教条”，也不是对自然的简单模仿，而是他的一颗真心。

我们从他的作品中能看到，他在心里不服反叛，对所谓的规定甩白眼的那些年；他整个儿陷入难过、忧郁的那些年；还有他在爱情当中快乐、浪漫的那些年……这些情感经历，我们或多或少都能理解。从这个角度来说，毕加索活成了我们，我们就是毕加索。

毕加索本人、以及作品的意义，远远不仅如此。

要知道，这是一个在20世纪引发了世界级强震，在21世纪无法被忽略的艺术巨星。

如果仅仅因为“看不懂”、“不了解”、”太难了”等种种印象，而彻底放弃了解他的机会，那实在太可惜了。

敬 勇敢的你

请相信

世间没有几人敢追逐梦想

那需要百折不挠的信念

和勇往无前的斗志！

敬 选择艺考的勇气

为 将迈向的艰辛路途

在深蓝传薪筑正教学相长中

勇敢的你将完成人生最重要的蜕变

你会更加坚定对完美的追求

并掌控创造的技法和语言

你会更加笃定对勇气的信任

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深蓝是筑造梦想的底色

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在深蓝的映衬下耀出属于你的光芒

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更是光明人格和力量的源泉

请相信

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不忘正念树人的筑梦初心

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深蓝能透过迷茫看见至善至勇的你

传道解惑 携手共进

助你实现艺考的成功

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我们一起

敬 勇敢的自己！