色彩基础篇 | 关于“色彩”

19世纪，伴随着工业革命的飞速发展，杨英国科学家托马斯·杨、法国化学家谢弗勒尔等人对光和色进行了大量的研究，总结出许多新的色彩科学理论，例如颜色感知取决于视网膜中三种神经纤维的存在。

其中，托马斯·杨第一个测量了7种光的波长，最先建立了三原色原理：

这预示了现代对色觉的理解，特别是发现眼睛确实具有对不同波长范围敏感的三种颜色的受体。谢弗勒尔把这些色彩原理应用到艺术中撰写了《色彩的协调与对比原理》一书，他分析了由红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫组成的太阳光谱色，指出“物体之所以呈现不同的颜色，是因为它具有吸收和反射不同光线的能力”等等，这些对光和色的研究成果对画家具有很大的启发，尤其是为印象派的色彩理论提供了科学依据。

托马斯·杨曾被誉为是生理光学的创始人。他在1793 年提出人眼里的晶状体会自动调节以适应所见的物体的远近。他也是第一个研究散光的医生（1801 年）。后来，他提出色觉取决于眼睛里的三种不同的神经，分别感觉红色，绿色，和紫色。后来亥姆霍兹对此理论进行了改进。此理论在1959年由实验证明。他提出颜色的理论，即三原色原理，他认为一切色彩都可以从红、绿、蓝三种原色的不同比例混合而成，这一原理，已成为现代颜色理论的基础。

托马斯·杨在物理学上作出的最大贡献是关于光学，特别是光的波动性质的研究。1801 年他进行了著名的杨氏双缝实验，发现了光的干涉性质，证明光以波动形式存在，而不是牛顿所想象的光颗粒（Corpuscles），该实验被评为“物理最美实验”之一。二十世纪初物理学家将杨的双缝实验结果和爱因斯坦的光量子假说结合起来，提出了光的波粒二象性，后来又被德布罗意利用量子力学引申到所有粒子上。

视网膜对光谱的接收原理

由于视网膜中三种神经纤维的存在 , 因此我们把无法再分解的三个基本色称为三原色。三原色能合成出其他色，而其他色不能还原出三原色，三原色又可分为“光学三原色”和“颜料三原色”。

光学三原色为：红、绿、蓝。

颜料三原色为：品红（明亮的玫红）、柠檬黄、青（湖蓝）。

光学三原色可以合成出所有色彩，相叠加得白色光；颜料三原色理论上可以调配出其他任何色彩，相叠加得黑色，但因为普通颜料中除色素外还含有其他化学成分，所以两种以上的颜料相调和，纯度就会受到影响，调和的色种越多则越不纯，也越不鲜明，所以颜料三原色相加得到的是一种浑浊的深色，而无法得到纯黑色。

由两个原色混合得到的颜色，我们称为间色，间色也只有三种。

颜料三间色为：绿、紫、橙。

光学三间色为：红、黄、蓝（恰好为颜料三原色）。

由于颜料三间色在色环上与颜料三原色呈“对角互补”关系，所以我们也把“绿、紫、橙”称为“红、黄、蓝”的互补色。这种交错关系构成了色光、颜料与色彩视觉的复杂联系，也构成了色彩原理与规律的丰富内容。

复色是用原色与间色相调、或用间色与间色相调而成的“三次色”。复色是最丰富的色彩家族，千变万化，丰富异常，复色包括了除原色和间色以外的所有颜色。复色既可以是三个原色按照各自不同的比例组合而成，也可以由原色和包含有另外两个原色的间色组合而成，我们通常在色彩中所说的“灰颜色”就是各种经过调和的复色，不夸张的说，我们所看到的大部分色彩作品其实基本都是由“复色”组成的。

色相是颜色测量术语，颜色的属性之一，借以用名称来区别红、黄、绿、蓝等各种颜色色彩的首要特征，是区别各种不同色彩的最准确的标准。

事实上任何黑白灰以外的颜色都有色相的属性，而色相也就是由原色、间色和复色来构成的。自然界中各个不同的色相是无限丰富的，如紫红、银灰、橙黄等。色相即各类色彩的相貌称谓。从光学意义上讲，色相差别是由光波波长的长短产生的。即便是同一类颜色，也能分为几种色相，如黄颜色可以分为中黄、土黄、柠檬黄等，灰颜色则可以分为红灰、蓝灰、紫灰等。光谱中有红、橙、黄、绿、蓝、紫六种基本色光，人的眼睛可以分辨出约 180 种不同色相的颜色。

色彩纯度，是指原色在色彩中所占据的百分比，也可称为色彩的“饱和度”。纯度是深色、浅色等色彩鲜艳度的判断标准。

纯度最高的色彩就是原色，随着纯度的降低，色彩就会变的暗淡。纯度降到最低就是失去色相，变为无彩色，也就是黑色、白色和灰色。同一色相的色彩，不掺杂白色或者黑色，则被称为纯色。在纯色中加入不同明度的单色，会出现不同的纯度。以蓝色为例，向纯蓝色中加入一点白色，纯度下降而明度上升，变为淡蓝色。继续加入白色的量，颜色会越来越淡，纯度下降。

“低纯度”色调也称“灰色调”。灰色中包含着黑色的成份，但灰色也具备不同色相和冷暖的倾向。灰色处理得好，视觉上 会倾向于显得沉着、高雅。

“明度”是指色彩的明暗程度。白色明度最高，黑色明度最低。不同色相的明度也不同，黄色明度高，红、蓝色明度低。任何一种色相如调入白色，都会提高明度，白色成分愈多，明度也就愈高；任何一种色相如调以黑色，明度相对降低，黑色愈多，明度愈低。

以白色或明度高的色相组成的色调，称为“高调”。“高调”不仅由组成色相的明度决定，同时也因光的强弱而改变。如明度低的色相在强光下，明度也随着提高。反之，在暗淡的光线下，高明度的色相也会变深。同时，不同的光线角度，物体的明暗亦不同，如高明度的物体，在暗部看，其明度依然是很低的。

指色相性质相同，但色度有深浅之分的颜色。（一般指色环中 15°夹角内的颜色）

夹角在 60°以内的我们一般也称为“邻近色”。

下方的两张图都是透过车窗玻璃所拍摄的雨中场景，分别是苏杭烟雨和雾都伦敦，在弱化了景物的棱角之后，我们感受到这两张照片在色彩上最大的区别是什么呢？一张整体绿一些？另一张黄一些？其实籍由这种朦胧的视野，我们很明显的能感受到色彩画面中最重要的一个要素“色调”。

色调是指一幅作品色彩作品整体颜色外观的基本倾向和基调。在明度、纯度、色相这三个要素中，某种色彩因素起主导作用，我们就称之为色调。一幅绘画作品虽然用了多种颜色，但总体有一种倾向，是偏兰或偏红，是偏暖或偏冷等等。这种颜色上的倾向就是这副画 的色调。从下面两张照片中可以看出，绿色的远山和棕色的建筑构成了影响这两张照片不同的最主要因素，所以我们在画色彩的时候只要明确了最大面积的色彩布局，色调就基本可以确定了，很多时候，一旦我们确立了画面的色调，那么接下来我们会根据这个色调来主动的把控画面。

在大自然中，我们经常见到这样一种现象：不同颜色的物体或被笼罩在一片金色的阳光之中，或被笼罩在一片轻纱薄雾似的、淡监色的月色之中，或被秋天迷人的金黄色所笼罩，或被统一在冬季银白色的世界之中。在不同颜色的物体上笼罩着某一种色彩，使不同颜色的物体都带有同一种色彩的倾向，这就是色调带给我们的美好感受。所以说，美妙的色调就好比色彩的灵魂，是一种色彩语言，它在表现色彩主题、情调创造、意境渲染、传达情感上是不可缺少的，它能迅速而直观地使人受到感染而产生联想，看画人的情绪与注意力往往首先被画面的色调听控制。同时，不同色调画面往往会给人以不同感受和不同情调意境。

在应试教学中，色调是非常重要的评分依据，而考试时往往还可能规定冷暖色调，我们经常所说的“暖色调”和“冷色调”是以色彩的倾向性作为区分依据的，要想获得画面的色调和谐，就必须建立在和谐统一的画面色彩关系上，推敲用色的纯度、明度，并对色彩进行适当的归纳与概括。如果在落笔前就能明确表现出对象的整体色调，那么局部色彩也会随之变得明确而容易把握，色彩的整体关系就不会出现大的偏差，这时，色调就成了我们对画面颜色进行归纳和概括的有效手段。

通常来说，红色、橙色、黄色等颜色 -- 为暖色调；绿色、蓝色、紫色 -- 为冷色调。黄绿色、紫红色、黑白灰为中间色调，有时在不同的色彩关系中，部分中间色调往往需要通过对比来区分冷暖。

从色性上可以分为：暖色调、冷色调、中性色调；

从明度上可以分为：亮色调、灰色调、暗色调；

从纯度上可以分为：高纯调、中纯调、低纯调；

从色相上可以分为：红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等色调。

在冷色与暖色并置时，在视觉和心理上有不同的感觉。暖色有向前的感觉，冷色则向后退；暖色有放大，分散的感觉，冷色则反之。据此可处理画面中的空间关系。

冷色调的亮度越高，其整体感觉越偏暖；暖色调的亮度越高，其整体感觉越偏冷。其实，冷暖色调也只是相对而言，譬如说，红色系当中，大红与玫红在一起的时候，大红就是暖色，而玫红就被看作是冷色，又如，玫红与紫罗蓝同时出现时，玫红就是暖色。

这张画是法国印象派大师亨利 . 马丁 (1860-1943) 的一张作品，这位印象派的画家善于运用“并置”式的笔触，使用偏向明亮且鲜艳的色泽，使其画面呈现出明亮轻盈的朦胧美感。在这张画面中，他大量运用层叠的红色和绿色，笔触从大到小由近及远，在丰富了视觉的同时，表现出了大自然一派浓郁的茂密生机。我们刚才说到红色代表暖调，绿色代表冷调，在这副作品中整体上红色和黄绿色居多，基本上呈现了一个近暖远冷的关系，加上整体受太阳光照的影响，尤其是远处冷山中交织的淡紫色与前方红色树林的呼应，我们大致可把这幅画定义为“偏暖色调”或者“中性色调”。

这张清华高分卷用很轻松的笔法给我们展现出了一副漂亮的紫调子画面。画面中墙纸、椅背和地板作者用了不同纯度的紫颜色进行了近乎平涂的处理，除此之外的其他物品几乎也都是微微泛紫的中性灰颜色，这样的处理手法一下子就会让人把注意力集中在几个鲜艳色块间的同类色区分上，加上原本就层次分明的构图布局，使得整幅作品利落响亮不拖泥带水，也体现出了作者扎实的造型基础。下方这张画也是一个紫调子的布局，作者通过墙面的大面积的紫色投影给原本略显简单的画面增添了一丝柔和的情调，弥补了在家具塑造上的不足。我们可以想象下，如果这张画的墙面作者用比较单一的白颜色或者浅黄色处理的话，画面的感染力则会大打折扣。可见，在描绘相对静物来说比较大的场景空间时，看画人的情绪与注意力往往容易被画面的色调所控制，从主观因素来说，个人用色习惯与色彩感觉；风格取向与审美趣味只要和色调进行好的结合，都会体现出不错的画面效果。

色彩中的“冷暖”从概念上来说其实比较简单，就是“色彩对视觉发生作用而使人所产生的一种主观感受”。其实色彩本身无所谓冷暖，只是不同的色彩作用于人的感官，从而在不同人的“心理上”引起了一些或暖或冷的感受和反映罢了。

尽管概念上简单，“冷暖”却是一副优秀色彩作品必不可少的要素之一，它在一定程度上取代了素描中的“明暗关系”。我们衡量一个人是否懂得色彩的方式有时就是看他是否能通过“冷暖意识”来表达画面中的“受光”、“背光”、“反光”、“投影”“环境色”等一系列关系，所以要是想把冷暖关系运用的和谐到位，不仅需要一定的色彩知识和感受力，还需要主动表现的能力和练习的积累。

心理学上根据心理感觉，把颜色可简单的分为暖色调（红、橙、黄、棕）、冷色调（绿、青、蓝、紫）和中性色调（黑、灰、白）。在绘画、设计中，暖色调给人膨胀、热情、狂野之感；冷色调给人开阔、凉爽、通透之感。成分复杂的颜色要根据具体情况结合个人的感受具体分析。另外，色彩的冷暖感觉也强烈地受光线和环境色的影响，很多时候，色彩的冷暖感觉是我们在生活体验中通过联想而感知出来的。红、橙、黄、棕色往往使人联想到橘黄的火焰和太阳，棕黄的大地，因此有温暖的感觉，将其称为“暖色”；绿、蓝、紫色则往往使人联想到森林，天空和冰雪，因此有凉爽的感觉，将其称为“冷色”；黑、白、灰等色给人的感觉是不冷不暖，将其称为“中性色”。色彩的冷暖感觉是相对的。在同类色彩中，含暖色调成分多的较暖，反之较冷。

我们看这张黄色苹果的静物照片，光线从右侧向左侧照过来，按照素描关系中“五大调子”的秩序来分析，依次为：1. 整体受光的亮部、2. 颜色略重的明暗交界线、3. 背光的暗部、4. 暗部的反光环境色、 5. 苹果的投影。

这五个关系明确了之后，我们就可以在形体塑造准确的基础上进行深入的全因素调子刻画了。一个苹果如此，其他造型复杂的物体依然是如此，这就是素描语言的表达方式；但转换到色彩语言之后，依然是“五大调子”的秩序，我们如果像素描这样仅仅通过改变明度的方式去“加重”或者“提亮塑造”，那么就失去了用色彩的意义，就变成用颜料去画素描了，这是不对的，所以此刻给画面注入冷暖关系，用色彩去塑造物体就变得非常重要了。

我们看左侧的这张相似角度的苹果，造型和明暗秩序同上方黄色苹果照片基本一致，依旧是从右向左的打光，所以我们现在用“冷暖”的色彩语言去分析下这个苹果：1. 以柠檬黄或偏中黄为主的亮部，由于受光以及固有色的关系，整体偏暖、2. 明暗交界线用略重的黄绿色或者棕黄色表示，冷暖居中即可、3. 暗部背光较暗，所以用低明度的橘黄或土黄压下去、以偏暖为主 4. 反光部分用低纯度偏冷的紫灰色或者灰绿色提亮，与亮部和暗部的暖颜色形成冷暖对比同时起到虚化推远空间的效果、5. 投影部分由于是“虚”的，尽可能要弱于主体物的明暗交界线，所以在处理上利用“黄紫互补”的关系用灰棕色、灰绿色、紫灰色交融由暖至冷，同时与之前的颜色相呼应。轮廓线周围的灰绿和朱红色则是为了与暗部冷色和环境色的呼应点缀上去的。

这张以描绘雪松为主题的风景画，光感强烈、冷暖分明，非常适合用来让学生感受“色彩”的力量。整个画面以偏冷的蓝色调为主，虽然描绘了冰雪世界的寒冷，但是由于日落远山和树干部鲜艳的橘色对比，让人竟然体会到融融的暖意。加上画家准确和有力的用笔，使整副画面充满了勃勃的生机，非常动人。

我们观察远处山脊，尽管橘色的暖颜色非常的活跃，但是山脊的暗部作者使用了渐变的紫灰色与橘色形成了“互补”的关系，在交待出山谷浑厚投影的同时与整体的蓝色基调相呼应，并且这种蓝紫的元素在画面中反复出现，使得画面暖中有冷，冷中有暖。

我们通过下方大面积蓝色雪地可以看出，之所以这么多的蓝色在一起不会显得生硬呆板，很大程度上是作者在整体冷色调的基础上不断的在冷调子中加入了小的暖色细节。

下方雪地画面中，积雪起伏的坡面和暗部投影作者插入了很多“偏紫偏暖”的笔触，在这里，常规的紫颜色虽然属于冷色系，但是与明显偏冷的低纯度湖蓝色相对比，“紫灰”就解放了偏暖的属性；而积雪中橘色的树干虽然扮演了偏暖的角色，可是其中隐隐的墨绿色又起到了偏冷的作用。只要用心的仔细体会画面，其实这幅画的色彩关系的丰富性处处都隐藏在这些小的冷暖交织当中，所以，一张作品无论是冷色调还是暖色调，都不是绝对的极端，一定是要通过积极的冷暖穿插来让画面达到视觉上的舒适和平衡，这也是我们平时在色彩练习上要特别注意的要点。

在通过之前对具体画面中的冷暖关系运用的分析之后，相信同学们已经对于冷暖的认知有了新的提高，我们在日常的教学过程中老师会给同学展示很多优秀的色彩作品，我们要运用我们所学的知识去对于这些优秀作品进行分析和研究，从而把好的东西转化成自己的所学所用，这样才是有效的学习。

下图这张逆光下的水果花卉组合其实不好表现，大部分初学者画的时候很容易画的比较脏，尤其是背光的部分经常是只能表现出素描关系，在这一课我们讲解了冷暖意识之后，我们再看这张画是不是就感觉清晰了很多呢？在作者的眼里所有暗部都不是“黑”的，而是微妙且具备“纯度”的冷暖交织，在暖融融的阳光下，画面中的每个物体色彩间都互相关联，受阳光和周围物体的影响，冷暖关系穿插的很积极，这就使得这张作品绘画感很强烈。

这张黄绿色调的花卉作品冷暖的穿插与变化也比较丰富。桌面上几块较高纯度的冷倾向湖蓝与花卉和背景里的黄绿、蓝灰呼应的比较好，花卉中的那些低纯度的紫红在其中充当了暖颜色，起到了冷暖调和的作用，尤其是作者大胆的将花瓶的投影处理成了由冷到暖的橙色，这个处理一下子让此画的冷暖关系平衡了很多。所以尽管整张作品冷灰色居多，但是点缀在其中的暖颜色让我们在这张整体偏冷的画面中感受到了一丝阳光散播的温暖，这种感受层面的东西就是冷暖交织所赋予给这个画面的色彩心理暗示，所以冷暖关系利用好了提升的不仅仅是视觉上的舒适、还是心理上的满足感。

看了以上的优秀作品解析很多人可能会认为对于冷暖的表现与控制是一件比较难的事，毕竟”色彩感觉”这个东西是因人而异的，画面可以模仿但是感受是很难模仿的的，那么有什么好的办法去提升画面的冷暖关系呢？其实这并不是一件难事。

总而言之，无论是技术还是艺术，只要经过刻苦的钻研，我们总是会从中找到一些暗含的规律并且运智慧加以总结归纳的，这个发现的过程虽然谈不上轻松，但是只要肯下功夫，教师的引导得当，还是会有很大的提升空间的。

“环境色”这个概念分为两层：一层是小局部物理空间上的环境色或者反光，指的是不同质感、不同颜色物体反光间的互相影响。

这个在静物写生中是很常见的，也是我们调整画面冷暖关系时常见的手段之一。

另外一层是“时间概念”上的环境色。是指不同季节、气候、由地球上光线变化而对空间环境产生的色彩连锁反应。印象派的艺术家在这个课题上进行了大量的创作，比如莫奈、毕沙罗等。以上的两个概念尽管解释了环境色的两种来源，但是反映在画面上想表现好，其实是需要我们对写生对象的用心观察和经验积累的，仅凭单纯的数量堆积很难取得好的学习效果，所以再次强调，拒绝傻画！

1900 年英国物理学家瑞利勋爵发现了“瑞利散射“，既粒子尺度远小于入射光波长时（小于波长的十分之一），其各方向上的散射光强度是不一样的，该强度与入射光的频率四次方成正比，这种现象称为瑞利散射，瑞利散射可以解释天空为什么呈现多种不同的颜色。

我们首先要了解一点，光的波长与散射强度是呈反比的。阳光进入大气时，波长较长的光如红光，穿透力强、散射能力弱，可以透过大气射向地面；而波长短的紫、蓝、青色光，碰到大气分子、冰晶、水滴等时，就容易使散射发生的比较激烈，被散射的蓝光布满整个天空，在地表和大气层之间多次反射，从而使天空呈现蓝色。而太阳本身及其附近呈现白色或黄色，是因为此时你看到更多的是直射光而不是散射光，所以日光的颜色（白色）基本未改变。

当日落或日出时，太阳几乎在我们视线的正前方，此时太阳光在大气中要走相对很长的路程，你所看到的直射光中的蓝光大量都被散射了，只剩下红橙色的光，这就是为什么日落时太阳附近呈现红色，云层也会因为反射太阳光而呈现红色，比如我们常说的“火烧云”。在月球上，因为没有大气层，太阳光是直接到达月球表面的，反射回的光线没有大气层的阻挡直接回到宇宙中去，不会进入我们的眼睛，所以我们看不见，就会呈现一片黑色背景，不分白昼。

天穹在落日后也还会在一段时间内呈现深蓝色。这也曾经是科学家们关心的一件怪事，物理学家在50年前揭开了这个谜：导致黄昏时天空的蓝色，是一种特别的物质。这种特别的物质在离地球表面20至30公里的高空处聚集成厚厚的一个层面，就是臭氧层。这种气体对正在下落的太阳光起到像颜色过滤器那样的作用：它截获太阳光中的黄色和橙色的部分，却几乎无阻拦地让蓝色的部分通过。当最后的少许光消失时，所有的颜色才消失在黑暗的夜色中。

考前学习阶段由于时间的限制和考场工具的要求，对于色彩静物和场景的练习我们更多的是借鉴了“印象主义”风格的表达方式，了解了户外天光的成因便于我们更好的解读印象派的色彩。

印象主义观察自然界的千变万化，捕捉不同阳光下色调的美，以感性为出发点，相对弱化物象的造型写实，主要用光线和色彩表达瞬间的色彩印象。他们借鉴了当时光学研究的理论，研究记录物体环境反射，对固有色加以分析。认为一切事物都是有颜色的，色是由光赋予的、物体在不同时间有不同的色相，他们抛弃了 16 世纪以来的褐色调子，力求用“并峙的”、“直接的”色彩语言去表达眼睛所感受到的世间万物，给我们了提供全新的观看体验，使得我们可以更加直观的从色彩的角度去感受和分析画面。所以在色彩场景教学这一部分我们更多的采用了一些印象派对色彩的表现手法，沿用素描场景练习中的知识点，培养学生如何去观察以及运用“冷暖”、“色调”等知识点去解决色彩学习中遇到的问题。

通过以上的知识讲解，你是否也能够以科学的眼光解读画面中隐藏的“密码”了呢？

或许在艺术家的角度，他只是单纯的去表现了自己眼前的所见和心中的所感，但是最终呈现在观者面前的那一刻，是所有的这些理性与感性因素作用在一起的综合效果，我们学习色彩的方法有很多种，但是“科学的学习”并且将自身的实际感受融会贯通一定是最有效的学习方式。我们对于画面的分析并不是在“过度解读”一张画，而是一个通过拆解的方式，将所有我们之前模棱两可的知识点清晰化的过程，只有这个过程完善了，我们才能更好的在绘画的道路上坚定的一路前行，不断解决一个一个学习和教学上的难题。

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