有关雕塑艺术专业研究论文

雕塑艺术的发展史跟我们人类的文明史一样久远，几千年人类文明的发展史孕育出了雕塑艺术千姿百态的形态样式，不同时期的雕塑艺术都蕴含有丰富的文化历史与精神内涵在里面。下面是本站小编为大家整理的雕塑艺术研究论文，供大家参考。

摘要：亨利·摩尔是现代雕塑史上一位重要的人物。他在吸收众多优秀传统文化的同时对现代雕塑艺术进行了大胆的探索和革新。尤其是他的大型室外雕塑，既遵循了人文主义的道路，又把作品完全融合到现代的环境中去，具有深远的影响力。

关键词：雕塑 材料的真实 空间 主题 环境

20世纪的世界雕塑艺术可以说是西方人的天下，同其他艺术形式一样，在这漫长的100年里充满了变革与传播。在众多的艺术家中，英国雕塑家亨利·摩尔在这一时期占有重要的地位。如果说19世纪罗丹打开了现代雕塑的大门，那么亨利·摩尔则把现代雕塑推到了另一种高度。摩尔的雕塑艺术以其独特的个性语言将雕塑完全推向室外，达到了一种与自然、与人的共语状态，具有深远的艺术影响力。

亨利·摩尔1898年出生在英格兰北部约克郡的卡索福德镇矿工家庭。第一次世界大战前，摩尔接受了良好的教育，并在16岁时获得了剑桥高级证书。“一战”爆发后，摩尔应征入伍，后在法国作战中因毒气所伤回国治疗，1919年退伍并被录取到利兹艺术学院学习雕塑艺术，第二年获得了伦敦皇家艺术学院的奖金。

在皇家艺术学院求学期间，摩尔得到校长威廉·罗森斯汀爵士的赏识和大力支持而成为皇家艺术学院的一名雕塑教师，这对于摩尔成为一名优秀的艺术家起到了推动的作用。20世纪30年代初期，摩尔的一次展览给他带来了莫名的污蔑和攻击，他的顶头上司利用这些流言迫使摩尔离开了皇家艺术学院，后来摩尔去了切尔西艺术学院重新开始雕塑教育一直到1940年。摩尔于1986年逝世。在摩尔长寿的一生中，创造了大量的雕塑作品，母与子群像和斜倚的人物是他创作的基本主题。就形式和材料而言，在不同时期呈现出不同的特点。

在摩尔早期的艺术生涯中，他从大英博物馆、国家艺术馆等艺术宝藏中吸收大量的养分，受到米开朗琪罗、乔托、马萨西乔等大师作品的深刻影响。1926年至1930年之间，他的作品明显受到前哥伦比亚雕塑的影响。1929年至1930年摩尔创作的《斜倚的人物》是他最早的雕塑杰作之一，其原始的灵感应源于后古典时期墨西哥玛雅文化与托尔特克文化相融合的雨神洽克摩尔像。在这件作品中以及其他的斜倚的人物、躯干包括1920年代后期摩尔所创作的母子群像中，基本确立了他作品的程式、风格和基本主题。

他在继承古代文化原始风格的同时更多地给他自己的作品注入了力量和精神，在这一时期的创作中，摩尔对于石头的厚重感的热爱体现了他对于材料的真实追求，这也是他一生的目标。用他自己的话说：“这是艺术的首要原则之一……艺术家必须具有一种本能，充分理解材料的特性，正确地使用它，并尽量地发挥材料的可能性。”他对石头、木头等这些硬质材料怀有浓厚的兴趣，并且充分发挥这些材料的原始形状，以保持它们的完整性，最终和他的创作初衷相融合。

20世纪的前50年里，西方各种重要的现代艺术思潮和现代哲学流派纷纷登场。30年代里摩尔同其中的超现实主义有一些短暂的来往，虽不能将这一时期的摩尔划为超现实主义流派之中，但其创作思想还是受到了超现实主义的影响。比如变形，对于抽象形式的探索。这种抽象形式有别于野兽主义、立体主义、达达主义等怪诞的虚无的表达，而是对大自然界中有机物的概括和提炼。他在观察大自然中有生命的或无生命的这些形态时，从中悟出空间、形体的虚实关系。

在创作时，他吸收、提炼出这些自然形的精髓运用到他的雕塑之中，表现出一种超乎寻常的内在真实，这一时期他对于雕塑空间的研究向前迈进了一大步。他大量地在他的作品中加入了空洞作为虚空间，和实体形成富有节奏、韵味无穷的变化，生动而微妙，有力而温存。如作品1936年的《母与子》和《两件形体》等。在摩尔专注空洞和实体的关系，用内部的形式来表现雕塑的个性语言的同时，又对他的雕塑形式进行了革新：用弦来连接雕塑的两端使雕塑更具立体感。例如他的《弦卧像》《弦体》《母与子》。

“二战”爆发后，摩尔作为战时艺术家出入火线，画了几千幅伦敦地方防空洞的素描。对战争的再一次认识让摩尔更加坚定了人文主义的道路，他创作了一系列的充满温情的家庭群像和肃穆、尊严的____作品来表达他内心的感想。1943—1944年，《圣母玛丽亚和孩子》诞生，这是一件带有拜占庭和文艺复兴艺术时期风格的作品，作品中圣母置于矮凳上，双膝有角度地微微抬起，用大腿兜护住婴儿，双肩低垂，脸部微倾，优雅的气质之中透出丝丝的悲凉。

“二战”后不久英国重建工作引起了民众对雕塑的兴趣，1950年左右摩尔制作了几件雕塑，其中有《家庭群像》和《着衣卧像》，这两件有着浓郁亲情和反战情绪的雕塑立于伦敦街头，为英国民众赢得了荣誉和光荣。同一时期，摩尔又进行了新的形式探索，1952—1953年创作了著名的《国王与王后》，这是他扁平造型的代表作，人物细薄，是简练的平片状，头带梭角，骨瘦如柴。尽管没有写实性雕塑的优美，但强烈的视觉冲击、夸张的变形，对于空间形体的大胆表现把国王的尊严和王后的气质表达得完美无缺。对于这件雕塑，摩尔说：“王的头部是冠、胡须和颜面的综合体，象征王权和动物性的潘神气质的混合。”“国王看上去比王后更加轻松、自信，王后则直立表现出王后的风范，当我制作手和脚的时候，它们使我有机会通过更为现实的制作它们来表达我自己的思想——将人类的优雅和权威的概念进行对比。”1950年以后，摩尔受别人委托制作了大批直立的母体，同样受到了极高而广泛的赞美。

20世纪50年代后，摩尔成为英国最著名的雕塑家，也成为享誉世界的艺术名士，由此他接到了大量为建筑、博物馆或商业公司做雕塑的任务，这种大型的艺术活动使摩尔的雕塑更多地走向了室外与环境融合在一起，作品也愈加成熟。

他继续着他斜倚人物和母与子主题的探索，把每一件作品升华到与大自然相统一的境地。60年代的作品更加概括和简练，从这些作品中仍然可以看出他对主题以及给予他灵感的骨形的迷恋，如1962—1965年的《刀刃两件套》、1969年的《两件套卧像：触点》等。这些大型的室外雕刻在整体的效果上更加宏伟，让人联想更加丰富。他所探求的实体与虚空间在这一时期更加成熟与老练，在这里负空间起到了非常显著的作用，他把远处的风景吸纳到雕塑之中来，达到了风景融于作品，作品融于风景的完美关系。

和50年代以前的母与子主题雕塑相比较，50年代以后的这一主题作品摩尔做得更为大胆和简洁，他去掉一切不必要的所谓的细节来突出主题的形象，让母体这一形象深深地扎根于大地和风景之中，为了让婴儿更为舒适和安全，他把婴儿置于更合适的位置，在粗放的同时更加细腻，既有人性的温暖，又有探寻宇宙和生命奥秘的哲学意味。

对于雕塑所依赖的材料的运用和探索，摩尔在早期曾强调和追求“原料的真实”，发挥原料最大限度的美感，这种思想基于他最初对于大自然之中具有生命力的物体上，如石头、骨骼、贝类等，这种原始的自然的形是摩尔一生创作灵感的源泉，他把这些天然造型升华到理性的高度，给人们精神的享受。在大多数摩尔后期的雕塑作品中，摩尔使用青铜作为他的材料，这样看来似乎他早期所追求的坚持原料的真实不再是主要目的了，但青铜的铸造过程所具有的特殊的可塑性和丰富的色泽变化同样给他的作品注入了无穷的韵味和魅力。传统意义上，青铜作为主要的媒介大量运用到雕塑上，但众多的青铜雕塑和艺术家只是停留在材料的使用上，而摩尔把雕塑的形式、肌理、青铜铸造后期所产生的色彩变化等因素统一到一起，尤其把色泽的变化发挥得淋漓尽致。

亨利·摩尔是20世纪英国最著名的雕塑家，他的成功有着历史的必然性，他在世界雕塑史上所做的贡献是巨大的。他在创造保持他独有的风格的同时，大量用线和空洞来探索新的雕塑空间，他对于现代环境中合理解决雕塑和环境的关系做了很多创造性的探索，极大地推动了现代艺术的发展。他的人文主义创作道路也给我们深深的启示。

参考文献：

[1]《绘画·雕塑·建筑·西方现代艺术史》 H.H. 阿纳森 天津人民美术出版社1986年第1版

[2]《外国美术简史》 高等教育出版社1998年第2版

[3]《世界美术史》 第十卷山东美术出版社

摘要：浅析中国古代雕塑和西方雕塑的差异性，看中国古代雕塑的特点。

关键词：中国古代雕塑;装饰性;绘画性;意象性

中国古代较少有纯粹的雕塑艺术品，这也使得一般人不重视中国古代雕塑。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。

中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。

它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类为建筑(包括陵墓)装饰雕刻，例如一般欣赏教材中都会列举的南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。实用性除反映在装饰雕刻上以外，还反映在明器艺术与宗教造像上。明器是随葬用品，其中雕塑品占有重要地位，主要是俑和动物雕塑，一般教材都举秦始皇陵陪葬坑兵马俑和唐三彩俑、马为例。俑是人殉的取代物，动物雕塑也用来代替活体陪葬，它们的实用性很强，并非纯粹的雕塑艺术品。

宗教造像也是如此，它们是供信徒顶礼膜拜所用的，以佛教造像最有代表性。欣赏教材多以南北朝和唐代的作品为例，因为这些时代的佛教造像艺术水平普遍较高。宋元和明清也有好作品。

出于上述原因，中国古代雕塑的装饰性相当突出。这是它孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。

中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然“塑形绘质”，在雕塑上加彩(专业术语称作“妆銮”)以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑，有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。

今天的雕塑艺术完全西化了，不再加彩，但民间雕塑仍保持妆銮传统。西方古代雕塑也有加彩，到文艺复兴以后，除宗教神像为求逼真效果，大多继续加彩外，一般雕塑不再加彩。中国塑绘不分家，导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。中国雕塑从这一特点历代相沿，至今民间匠师仍然大都先勾人物线描草稿，像人物画白描一般，再复制成雕塑。

也有人直接在硬质材料上勾线描稿，再雕而刻之。这样创作雕塑，带有绘画性就可以理解了。中国古代雕塑绘画性强，自有一种东方趣味，符合中国古人的欣赏习惯，他们是从绘画艺术的角度去看待雕塑艺术的。今天我们欣赏古代雕塑，也需要借用中国画的审美眼光，才能把握美感要点。

如果只用西方古典雕塑的艺术标准来指摘中国古代雕塑缺乏雕塑性，那无异于为适履而削足。 中国古代雕塑的另一个特点是意象性。西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。在漫长的几千年间，它们只是工艺美术品的两种装饰手段，这是塑绘不分的主要原因，也是线刻和平面性浮雕——画刻高度结合的中国式造型方法特别发达与持久的主要原因。装饰不求再现，只追求表现物象，因此发育出中国雕塑与绘画的共同品格——不求肖似(高度写实地再现自然)，形成了高度的意象性特点。

秦始皇陵兵马俑虽然表现出高于其他时代的写实性，但那也仅仅集中在俑的头部刻划上，而且形象也只是分为几种类型，不是每一件都各不相同，身体部分则无一例外是十分写意的。就是比较写实的头部，也不能和西方雕塑同日而语，它只是象中国画有工笔一样，比较深入细微而已，本质上依然属于意象性造型。其他汉唐陶俑、霍去病墓石刻、历代宗教造像无不显示意象性特点。

中国古代雕塑语言精练，这是意象性衍生的另一艺术特点。中国古代雕塑始终没有发明西方雕塑的造型术来精确地塑造物象，而多从感觉和理解出发，像中国画一般运用经济的语言，简练、明快，以少胜多而又耐人寻味，常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。例如，霍去病墓石兽采取“因势象形”的手法，充分利用岩石，自然的令人联想接近某种动物的形状，只进行最低限度的艺术加工，使石兽的造形显出空间的自由而不斤斤计较于形似。

加工的语言有圆雕、有浮雕、也有线刻，是根据岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。这种圆、浮、线雕并施的语言，在汉唐陶俑、历代石兽以及佛教造像中均可见到。它们使中国雕塑在精练中块面更整体，因而有时更具雕塑感甚至建筑感，例如云岗北魏露天坐佛和龙门奉先寺唐代大佛，就是杰出代表。

中国古代雕塑既然是意象性的，注重“以形写神”，必然也像中国绘画一样，注重头部的刻划。在中国古代雕塑和绘画中，头大身小逐渐变成一种习惯造型，一旦头身关系处理不好，在视觉上便难免造成不舒服的特点，这是不必为古人护短的。然而优秀的作品常常把人们的注意力，从缺点中吸引转移集中到刻划精彩的头部来。

这些头部看似没有西方雕塑深入，可是结构十分严谨。搞过雕塑的人都有体会，临摹西方雕塑易，临摹中国古代雕塑的头部却相当困难。它们不如西方雕塑结构准确分明，却另有一种完美性，神完气足，很不易临摹到那种境界。在头部以外，又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感，使人受感染的不是比例结构的准确本事，而是传神美化的功夫。龙门奉先寺大佛、服侍菩萨与天主力士像都严重头大身小，但依然很美，非常典型地说明了中国古代雕塑的这一特点。

上述各种特点，都不是孤立的，它们互相关连。我们在欣赏中国古代雕塑时，需要综合各个特点来认识，才可能得出比较合理的结论，承认它们确实还有不少好处。特点不一定就是优点。但有了特点，一种艺术就有了它存在与发展的理由和价值。中国艺术，包括中国雕塑之所以能一枝独秀地屹立在世界艺术之林，全在于它有着与众不同的许多特点。这些特点是世界所承认和尊重的。

雕塑艺术的产生与发展同人类的生活紧密相联，同时又受到各个时代宗教、哲学、社会体制等意识形态的直接影响。雕塑艺术是一种永久性的艺术，古今中外的许多事物经历史长河的洗礼下已荡然无存，通过对历代雕塑遗产的研究能充分了解人类社会的发展历史和形态。雕塑艺术越来越强烈的证明它是时代、思想、感情、审美观念的结晶，是社会发展形象化的“甲骨文”，是一代一代人向往追求的体现，这也同样需要我们一代代人去保护和发扬。

公共性是指在社会条件下的一种公开与认同，它具有社会的普遍意义，而公共艺术这个概念是它的派生。这个词汇的定义在欧美文化圈中也存在着相似的不够明确的问题。公共艺术的表现形式涵盖了部分传统和现代的艺术形式，这些艺术形式成为公共艺术的首要条件是它所具有的公共性。公共艺术是一种思想态度，而不是某种具体的形态和风格。公共雕塑的定义已经超出了传统意义上的雕塑概念，它是在广义上的造型艺术中来探讨的。传统公共雕塑的发展，为现代造型艺术开拓了广阔的空间，也为现代环境艺术设计提供了重要的创作思想。雕塑艺术在传统公共艺术中特别是在社会公共环境中起到了视觉焦点和标志的作用，它是环境艺术设计中重要的表达方式，公共雕塑以它独有的空间语言、材质和造型结构，能让人们感受到它的形式美感和审美内涵。公共雕塑能够让观众真正融入到一种心旷神怡的公共关系中，所以公共雕塑才能成为构成整体环境艺术有机的一部分。

一、雕塑艺术与公共环境的和谐统一

1.雕塑艺术与公共环境的和谐统一

雕塑艺术与公共环境的和谐统一是雕塑艺术成功的关键，有利于最大限度地发挥公共艺术的魅力，使雕塑的公共性、环境性、艺术性得以体现。雕塑艺术与公共环境的结合，是公共艺术发展的一大表现，所谓的公共艺术，是指艺术家以艺术服务于社会公众为前提，通过一定的方式来创作于特定公共环境相融合的艺术作品，并丰富人们的审美体验。雕塑与环境的和谐统一，是雕塑公共性、环境性、艺术性的完美体现。这就意味着雕塑已不再只是艺术家单单为艺术而创作的艺术品，同时在本质上雕塑已经日益发展为公众行为，雕塑是整体环境的一组成要素，处理好雕塑艺术与公共环境的关系，雕塑作品的设计才能成功，两者才能相互依存、彼此受益。

2.雕塑艺术与公共环境的和谐统一

有利于美化和改善环境，提高公共环境的质量。雕塑以公共环境作为载体，以其独特的艺术形象和深厚的人文内涵，为公共环境增添了美感，给观赏者带来了极高的视觉美感。相反，如果雕塑设计者不考虑环境因素，甚至还会造成公共环境的视觉破坏。城市雕塑通过在不同的环境中放置独特的城市雕塑，来营造美景，点缀城市景观，平衡广场等偏实用性建筑的审美功能，美化环境。

3.雕塑艺术与公共环境的和谐统一

有利于实现艺术与环境的和谐统一，增强人文气息，提高审美情趣。雕塑艺术与公共环境互为主体，空间环境为雕塑提供了展示空间，而雕塑又为空间环境增光添彩，具有艺术性的雕塑艺术记录着历史事件，承载着这一大背景的历史文化底蕴，对人们的思想及审美情趣有着极大的影响。与环境相结合的雕塑艺术，通过表达特定的空间意境与氛围，以鲜明的视觉形象给观赏者留下深刻的印象，引发情感共鸣。

二、雕塑艺术与公共环境的相互协调

1.雕塑的形式风格设计应与环境相协调

雕塑具有丰富的艺术形式，其形式结构和风格也是复杂多变，环境的差异性，决定了艺术作品必须呈现出相应不同的风格与形式。形体美是雕塑形式结构与风格出彩的灵魂，同样的材料及工艺，却能创作出与环境和谐交融的不同优秀雕塑作品，优秀的雕塑艺术通过自身的形式结构及风格特征，与周围空间环境相呼应，以空间为依托，同时雕塑以其独特的审美影响力来维系空间环境，最终达到雕塑形式结构与风格设计与环境相融合。

比如中国传统的石狮造型的雕塑，应该放置在带有中国传统格调和庄严肃穆的建筑环境中，这样才能最好地凸显出两者威武宏伟的特点;而园林雕塑则应结合园林恬静闲适的特点，如意大利的《木雕群》，以其独特的艺术形象给人以轻松愉悦之感;再比如丹麦哥本哈根海滨公园里的《美人鱼》便是与环境完美融合的典范，美人鱼雕像倚坐在海边的礁石上，与礁石、天光、海水和迷蒙的倒影交相辉映，营造出美好恬淡的氛围。

2.雕塑的尺度大小设计应与环境相协调

雕塑的尺度体积大小也是雕塑作品设计中的关键，如何将雕塑作品的魅力完美表现出来，同时又与周围的空间环境达到和谐的视觉效果，是雕塑艺术家必须考虑的问题。其中，纪念性雕塑和主题性雕塑在尺度与体积的设计上都较为庞大，装饰性雕塑的形式则较为自由灵活，并无尺度和体积的限制。在设计雕塑的尺度与体积时，应与周围的建筑、地面实际空间以及观赏者的审美心理相结合，只有这样才能达到最高水平的美感。

四川的《乐山大佛》体积极其庞大，陕西《秦始皇兵马俑》规模超前，数量众多，美国的《科罗拉多大峡谷的瀑布》雄伟宽广，这些雕塑作品都以恰当的尺度与体积，加之与周围环境的和谐交融，给人以迫人的气势和宏大无比的气魄，鲜明地表达了作品的主题;而如无锡的雕塑《小阿福》则以小巧的体积给人以可爱玲珑的审美感受。

3.雕塑的材质选择应与环境相协调

构成实体的物质材料也是设计雕塑作品时需要考虑的关键，雕塑本身的材质所具有的审美感受经由它的质感、色彩及肌理作用于观赏者的视觉，从而产生审美感受，如今现代工业的进步使得制作雕塑的材料更加多元化，为雕塑与环境的完美契合创造了更加有利的条件。雕塑艺术的材质，一方面要与雕塑的主题相融合，此外，雕塑的材质也受到所处环境的制约，通过合理运用材质来与环境更好地交流与沟通，达到物我合一的境界。

《奥运精神》这一雕塑采用不锈钢加工成具有强烈动感的彩色线条，不锈钢的材质与充满现代气息的北京体育场环境和谐交融，表达了体育运动的多姿多彩和生命的活力。西汉名将霍去病墓前的石雕采用天然砂岩，这一材质不仅突出大写意风格，还与雄伟连绵的山脉和肃穆壮观的陵寝和谐交融，与环境充分结合的雕塑理念可见一斑。

4.雕塑的主题内涵应与人文环境相协调

雕塑并非独立的艺术品，将雕塑放置于特定的环境中，必定有其人文价值。不同的环境，承载着不同的历史文化，不同环境下的雕塑，也承载着不同的人文内涵，人们对雕塑的欣赏，不仅仅在于雕塑优美的外观和技艺的精湛，更应该从雕塑中了解当地独特的历史文化和人文氛围。

雕塑《五月的风》放置在东海路五四广场，它是五四运动精神的象征，弘扬着中国人民的爱国热情，五月的风、钢铁的风，其火红的颜色和螺旋上升的造型衬托着周围的人文环境，与五四广场的环境和谐统一。

三、结束语

黑格尔说：“雕刻则把精神本身表现于在本质上适宜于表现精神个性的肉体眼前……凭它自己而独立地站在那里。”雕塑是三维立体的造型艺术，人们不仅可以多角度获得审美享受，还可以与周围的环境相结合，体现更多的内容和意义。处理好雕塑艺术与空间环境的关系，实现两者的相互衬托相互交融，是雕塑艺术的生命力所在。将雕塑的形式、尺度、材质、颜色与自然环境、人文环境有机结合，是推动雕塑艺术深入发展的关键。

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